Director musical

 

Dirección musical

 

De seguro haz visto en vivo o por videos la actuación de diferentes organizaciones musicales (orquestas, coros, bandas), el tema de hoy es muy específico, la dirección musical que se define como un arte de coordinar en forma técnica un grupo de músicos para la interpretación de una obra de cualquier género (vals, calipso, jazz, pasodoble, clásico…). Entre las funciones del director musical se encuentran marcar el pulso (tempo), el balance sonoro, puente entre la partitura del compositor y la ejecución final del ensamble.

Para cumplir con este propósito, utiliza el lenguaje gestual, apoyado por una batuta, que permite comunica instrucciones complejas, con la mano derecha destaca la entrada, precisión rítmica y la velocidad, mientras con la izquierda y la expresión facial gestiona matices, entrada de cada instrumento, carácter de la música y la finalización de la pieza desarrollada. Más allá del aspecto técnico, el director musical debe dominar un conocimiento profundo de la teoría, historia e instrumentación.

En el marco de la complejidad, la dirección musical es y deber ser disciplinada, combinar la técnica física, conocimiento teórico y las habilidades de liderazgo, para lograr un desarrollo productivo procedimental, paso a paso, se ejecutan las partes del tema, introducción, desarrollo y final, según la obra. A continuación se presentan diez elementos claves a considerar:

1.- Tempo o pulso: es la función básica, establecer y mantener la velocidad de la obra, actuar como “metrónomo humano” flexible, lograr coordinar la entrada o inicio, el desarrollo del tema y la finalización del mismo.

2.- Lenguaje gestual: utilizar la técnica de la batuta, representar patrones rítmicos, una cruz para compases de 4/4, un triángulo para 3/4 con la mano derecha, y la izquierda se usa para expresividad, entradas y matices. Actualmente, se dirige en curvas y círculos algunos pasajes para suavizar la fuerza de ejecutar.

3.- Anacrusas: es un gesto de entrada, un movimiento previamente ensayado y preparado para indicar el inicio de la obra o partes de ella, el carácter y volumen de cada sección cuerda, vientos o percusión.

4.- Dinámica y matices: es controlar el volumen de la interpretación, con gestos amplios para pedir forte (fuerte), con movimientos sutiles o pequeños como alejase un paso indica piano (suave), un paso al frente crescendo o bajar manos y un poco el cuerpo disminuyendo. Cada director tiene una personalidad en el escenario.

5.- Análisis y estudio de las partituras: antes de subir al podio, o escenario, el director debe conocer a fondo la obra, su armonía, estructura e historia, para asumir el control, tomar decisiones sobre sonoridad, intensión del autor original o versión.

6.- Balance y equilibrio sonoro: ajustar el volumen o intensidad, bajar el sonido de la trompeta o tuba, para que se aprecien los violines y chelos, un ejemplo de la mezcla perfecta. La percusión con mayor intensidad para dramatizar una sección del tema.

7.- Articulación y fraseo: se indica la forma de ejecutar las  notas, cortar, largas, fluidas, ligadas, (staccato, legato), la coma para respirar, notas de apoyo, saltos de intervalos, la frase que es y la que se debe hace, asegurar las notas para evitar desafinación.

8.- Liderazgo y psicología: inspirar respeto, confianza, comunicación asertiva, capacidades, dominio del equipo, reforzar aspectos positivos, corregir errores u omisiones en forma constructiva, motivar en todo momento, evitar las presiones y estallidos emotivos negativos. Tomar pausas entre el ensayo. Ver por partes el tema y luego completa. Aplicar la psicología, las inteligencias múltiples, la experiencia acumulada, evitar provocaciones y respuestas inadecuadas.

9.- Expresiones faciales y corporales: los gestos que transmiten información, la cara y mirada utilizada como herramienta poderosa, un contacto visual directo para dar seguridad a un solista, mientras una expresión serena o dulce emite un sentimiento de emoción que la obra requiere.

10.- Oído crítico: una capacidad para detectar errores mínimos, omisiones, desafinación, ritmo, ejecución y omisiones en medio de una masa sonora compleja, un entrenamiento auditivo altamente eficiente, que permite pulir la interpretación para alcanzar la excelencia, primero por partes y luego de arriba abajo.

Dirección coral

 

Este segmento es exclusivo para directores de coros infantiles, juveniles y profesionales, por lo general no utilizan batuta, ambas manos, expresiones orales indicativas, moldean el sonido y el texto entonado. El sonido es más inmediato es característico de los directores corales, los cantantes reaccionan simultáneamente al gesto, previamente ensayado.

Se pretende analizar el enfoque técnico, comprende la afinación, respiración y dicción como destreza vocal. Los gestos del director coral es más curvilíneo y circula imita el flujo del aire y líneas interpretativas.

Del mismo modo, las expresiones faciales y hasta la forma de la boca son vitales para indicar articulaciones, vocales o fraseo, dependiendo del caso suelen usar o no las partituras. Son más frecuentes los temas interpretados en forma memorística.

 

Aspectos interesantes

 

A lo largo de más de quince (15) años en la dirección musical de diferentes organizaciones musicales, actualmente me tocó el reto de una Orquesta Infantil de Alma Llanera, perteneciente al sistema de orquesta y coros infantiles y juveniles de Venezuela. Me tocó desempolvar documentos, informaciones, datos, tutoriales y clases en línea sobre dirección musical, encontré entre muchos aprendizaje recomendaciones para evitar cometer errores u omisiones tales como:

A.- Mirroring: el efecto espejo que ocurre cuando el director copia exactamente los mismos movimientos en ambas manos en forma constante. A veces es útil para dar fuerza, pero usarlo con mucha frecuencia anula el trabajo de la mano izquierda. Es importante la independencia de ambas manos una con el pulso y la otra con matices, eso evita confusiones visuales.

B.- Ictus: representa la falta de claridad, en algún punto del pulso, un gesto flotante o prolongado del movimiento curvo o circular, genera una duda rítmica o destiempo, por no poder precisar el tiempo correcto del compás.

C.- Fixation: consiste en fijar la mirada en la partitura, por inseguridad o falta de estudio, se dirige la mirada al scord (partitura) y no a los músicos, cortando la conexión emocional y técnica del ensamble, perder el contacto visual impide anticipar errores, desconfianza al solista, desajustes sonoros y perdida del tiempo real.

D.- Boom: consiste en gestos grandes, excesivamente exagerados y hasta inútiles, mover mucho los brazos, suele causar cansancio entre músicos y la misma audiencia, nubla la precisión rítmica, distrae en lugar de guiar, falta evidente de agilidad y culmina en críticas.

E.- Anacrusa: es la preparación previa, la música no empieza en el primer tiempo, son gestos de preparación antes de iniciar la obra. Un silencio o sonido al respirar, puede causar una entrada accidentada, entrada errónea de secciones o filas de instrumentos.

Es importante el ensayo, activo, donde se toquen primero los fragmentos claves o difíciles, luego la sección o parte, para finalmente hacer la pieza completa. El estudio individual es la clave para el desarrollo de la orquesta, banda o coro.

 

CONCLUSIÓN

 

La dirección musical es importante para garantizar el éxito de una presentación, el trato y comunicación debe ser en todo momento respetuoso, evitar colocar a uno o más músicos al escarnio público, recuerden aplaudir en público y corregir en privado.

Por el nivel de principiante, intermedio o avanzado, el repertorio seleccionado tendrá un nivel de exigencia y el director debe garantizar el desarrollo de la obra. Ser vigilante de la afinación, tonalidad, cambios de tonos, barras de repetición, indicaciones y todo lo que se desarrolla en las clases de lenguaje musical.

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